Entrevista: Steve Kilbey

Steve Kilbey es el letrista y compositor principal de The Church desde hace más de treinta años. Con la magnífica banda australiana han sacado una cantidad y variedad de discos digna de asombro, como Of Skins and Heart, Heyday, Gold Afternoon Fix o el disco de versiones A Box of Birds. También tiene discos como solista y una verdadera infinidad de colaboraciones, entre ellas Jack Frost, la banda que armó con el líder de los Go-Betweens, Grant McLennan.

¿Te acordás cual fue el primer disco que compraste?
El primer disco que compré fué de una banda australiana llamada The Easybeats. El disco era It's 2 Easy. Corría el año 1965 y yo tenía diez años.

¿Cómo fue que siguió creciendo tu colección?
En aquella época mi papá me prestaba plata para comprar discos. Durante un tiempo casi todo lo que compraba eran singles. Cuando tuve mi primer trabajo, a los dieciocho años, me gastaba toda la plata que ganaba en discos.

¿Alguna vez tuviste una fijación obsesiva con alguna banda o solista?
Primero tuve una fijación con Marc Bolan y después me pasó lo mismo con David Bowie.

¿Qué discos recomendarías de “compañeros de escena”?.
En este momento, mi banda australiana favorita son los Underground Lovers.

¿Escuchás música nueva?
La verdad es que en este momento no escucho demasiada música nueva. Simplemente no escucho cosas que me gusten. La gran mayoría suena demasiado amateur para mi gusto.
 
¿CD, vinilo o MP3?
¡Vinilo! Si está en buen estado y no está rayado.

Esta es LA pregunta: ¿Qué cinco discos salvarías de un incendio?
- David Bowie: Diamond Dogs
- Tyrannosaurus Rex: T. Rex
- Bob Dylan: Blood On the Tracks
- Big Star: Third/Sister Lovers
- Lou Reed: Berlin

5 Canciones 5: The Collectors, Rod Stewart, Gun Club, Brian Jonestown Massacre y Mono

Howard Christman's Older
The Collectors
¿Qué pasa cuando un hippie se toma un ácido y termina pegando mal? ¡Los Collectors! Exponentes (de los mejorcitos) del lado oscuro del Verano del Amor. En realidad el plato fuerte de este disco es el tema final, de veinte minutos, pero es acá en donde demuestran que también son muy buenos haciendo canciones. Es la historia de un alquimista enamorado pero la cosa acá es la música y la impresonante cantidad de ideas puestas en apenas cinco minutos.
Aparece originalmente en: The Collectors (1968)

Only a Hobo
Rod Stewart
Hoy parece imposible creerlo pero hubo un tiempo que fue hermoso en el que Rod todavía no se había pasado al lado oscuro de la fuerza. Era la época en que convivía con los Faces y sacaba a la vez sus discos como solista. Elegimos una versión de Dylan porque es una de las más lindas que se han hecho (y eso que hay billones) pero elijan cualquiera de Gasoline..., de Every Picture... o de Never a Dull Moment para perdonarle todos los pecados al vejete.
Aparece originalmente en: Gasoline Alley (1973)

The Breaking Hands
The Gun Club
¿El mismo Jeffrey Lee Pierce de Fire of Love y Las Vegas Story? ¿El mismo chillón tratando de sonar como los Cocteau Twins? Si. Y con grandes resultados, sin perder identidad. Hasta se dan el lujo de llamarlo a Robin Guthrie para la producción de este disco, después de un parate de casi cinco años. Un buen ejemplo de cambiar para mejor. Pero ojo que no todo es texturas y música etérea en Mother Juno. Hay rock and roll de ese que tanto nos gusta. En abundante dosis.
Aparece originalmente en: Mother Juno (1987)

When Jokers Attack
The Brian Jonestown Massacre
Gran riff en una de las canciones que ya podríamos ir considerando como una especie de clásico-moderno de la banda liderada por Anton Newcombe. En el librito dice algo que explica todo: "Los Dandy Warhols solían ser lo más. ¿De acuerdo? Ahora nosotros lo somos. ¡Unite!". ¡Qué difícil no hacerles caso! De paso, si todavía no vieron la película DiG... todavía están a tiempo.
Aparece originalmente en: ...And This Is Our Music (2003)

Enceguecer
Mono
Estos pibes son buenísmos. De Villa Luro hasta el mundo. Por ahora sólo tienen este EP debut (cuatro temas) que reparten de forma gratuita a quien quiera oir. Tocan muy bien, son buenos para los arreglos, cantan y componen mucho mejor que el promedio. Como si todo eso fuera poco, tienen un cóctel de influencias bastante grande y por eso terminan sacando un sonido propio, difícil de comparar. En "Enceguecer" suenan al primer Echo & the Bunnymen, Las Pelotas, Bowie... Para ir a chequear en vivo. Sin dudas.
Aparece originalmente en: Mono [EP] (2011)

Nada Surf - The Stars Are Indifferent to Astronomy

¿Por qué será que uno siempre necesita una comparación a la hora de escuchar una banda? Si no es una comparación es un parámetro, un nombre tirado un poco al azar con diferente medida de acierto. Debe ser que no nos gusta que nos tomen por sorpresa. O si se parece a algo que ya sabemos que nos va a gustar nos predisponemos de otra manera para que nos convenza, para que “entre” más fácil.

¿Y qué hacen los Nada Surf? Simple: canciones. Canciones en el sentido estricto de la palabra; introducción, estrofa, estribillo, estrofa, estribillo, puente, solo, estribillo final. Con alguna que otra variante dentro del formato pero de eso se trata básicamente. Canciones. Algunas excelentes, otras brillantes, otras simplemente buenas pero siempre aceptables, decentes.

¿Y a que se parecen? Beatles, Big Star, Fountains of Wayne… el espectro “celestial” del podio cancionero se podría decir. Tienen un cantante bueno, hacen unos coros bien prolijitos. Acá no hay mugre, nunca. Quienes busquen bestialidad roquera, excesos o historias fabulosas del tipo extra-musical van a tener que buscar por otro lado porque lo de Nada Surf no tiene nada que ver con eso.

Vienen tocando hace más de diez años, empezaron bien arriba, con un disco producido por Rick Ocasek de The Cars, con un super hit irónico que fue "I'm Popular" y desde entonces han venido haciendo discos parejos, sólidos de principio a fin. No inventaron nada, eso es cierto pero… ¿Para qué arreglar algo que no está roto? Incluso el anterior a este había sido un disco de versiones de esos que muestran claramente de donde vienen. Había versiones de Depeche Mode, de Kate Bush, de los Moody Blues y de perfectos desconocidos y/o olvidados como Bill Fox y Dwight Twilley. Uno disco de covers que tiene gusto a declaración de principios.

¿Y qué tal este? El disco nuevo se llama The Stars Are Indifferent to Astronomy que vendría a ser “las estrellas son indiferentes a la astronomía” y como título define bastante bien como viene la mano a nivel lírico en Nada Surf. Musicalmente este es un poco más roqueros que los discos anteriores, un poco más guitarrero que Let Go o incluso The Weight Is a Gift, pero no crean que esto es Stooges porque nada que ver. Acá las guitarras son bien cristalinas y lo mismo sucede con las armonías. Lo más parecido a esos temas al borde de perder el control es el primer tema del disco, "Clear Eye Clouded Mind", bien ramonero y rápido. Están los arpegios deliciosos de "Jules and Jim" o el ritmo insistente de "Teenage Dreams" (“A veces hago las preguntas equivocadas pero consigo las respuestas adecuadas, nunca es tarde para los sueños adolescentes”).

En fin, si estás buscando algo que te sacuda las estructuras y que te cambie la vida, probablemente Nada Surf no sea el remedio que te hace falta. Pero si estás buscando un buen puñado de canciones hermosas que te sirvan para contrarrestar el aluvión de canciones horrendas y estrellas inventadas que dominan los medios oficiales, ahí sí. Dale una chance a Nada Surf.




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Kaleidoscope [US] - A Beacon from Mars

Una miradita rápida a los créditos siempre ayuda a tener un pantallazo de lo que vamos a encontrar a la hora de poner “play”, bajar la púa o hacer click con el ratón. Además de las guitarras habituales encontramos la siguiente lista de instrumentos: órgano, harmonio, dobro, violín, arpa, mandolina, timpani, gong y clavicémbalo. Además de los más frecuentes como piano o armónica, por supuesto. Es que el principal “argumento de venta” de los Kaleidoscope californianos (porque hay otros ingleses y encima contemporáneos) es ese; la banda está llena de multi-instrumentistas y los géneros que tocan son unos cuantos también. Los puristas no teman; es una banda de rock, con todas las de la ley.

A Beacon from Mars es el segundo disco de estudio, el que le sigue inmediatamente a Side Trips, uno de los grandes debuts olvidados del rock en general y de la psicodelia en particular. Además de la música de la Mesopotamia asiática, de los ritmos africanos y de las excursiones fugaces por la música celta, lo de Kaleidoscope, en realidad, viene por el lado del folk. Es, a la hora de los bifes, el tamiz por el que pasan todos los estilos que terminan abordando. Dylan dice presente, como casi siempre, los Byrds otro poco, Hank Williams podría ser, pero sí, son increíblemente eclécticos pero tampoco se crean que esto es algo imposible de escuchar, parten de una base que todos conocemos de memoria.
A Beacon… está estructurado de una manera bien definida; son ocho canciones, a priori podría parecer poco, pero al final de cada uno de los lados (en el LP original, claro) están los verdaderos motores del disco, en donde le dan rienda suelta a sus indulgencias, se permiten mostrar lo que saben y de paso confirmar que se puede ser ambicioso y tocar bien y no ser un bodrio intragable. Al final del lado “A” está "Taxim" y es… ¿Cómo decirlo? Mientras que la psicodelia mayormente no hizo mucho más que mojar el dedito gordo en la inmensa pileta de la música hindú (si, si, gracias Harrison), los Kaleidoscope se zambullen de cabeza y hacen malabares sin red. Son casi doce minutos de la música más hipnótica que se pueda imaginar en manos de una banda occidental. Supuestamente grabado en vivo y a una sola toma, con el correspondiente tufillo a pachuli a la orden del día.
Después los tienen haciendo ragtime con total soltura en "Louisiana Man" o tocando blues rock con unas guitarras con una distorsión bien podrida, bien de la época en "You Don't Love Me", sonando más pesados -y seguros- que Cream o cualquier grupo más famoso de fines de los sesenta.
En realidad todo termina pareciendo una suerte de aperitivo para lo que se viene al final, el otro tema épico que se llama casi como el disco; "Beacon from Mars", algo así como “un faro desde Marte”. Y el título es perfecto para describir la música (y el estado de ánimo) de esta última composición. Ni más ni menos que quince minutos de música intergaláctica, lisérgica, improvisada (pero bien) y cuanto adjetivo se les venga a la mente. Son pocos los que pueden salir bien parados de semejante empresa. Los Kaleidoscope entran en el selecto grupo. Seguro.

Como pasa muchas veces, algo que para muchos es una gran virtud para otros es una pesada carga y la misma esquizofrenia musical que hoy nos hace sacarnos el sombrero fue la causante de la falta de éxito -a gran escala- de estos californianos somnolientos, para ponerlo simple; no sabían cómo venderlos.
Pero cuidado, así y todo hicieron dos discos más en un nivel similar y otros menos valorados, estos últimos casi sin integrantes originales. Kaleidoscope, una banda que sí que le hace honor al nombre.






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Giant Sand - Blurry Blue Mountain

Están los que creen que Howe Gelb es un genio absoluto y hay quienes piensan que es un tarado sin talento. Por un lado están los convencidos de que pasar por Giant Sand es una especie de academia musical pero tampoco van a faltar los que crean que -por ejemplo- los Caléxico en realidad nunca aprendieron nada. Opiniones. Todas válidas pero, mayormente, no es ni una cosa ni la otra. Los famosos grises, que le dicen. Lo que sí es cierto es que nadie va a decir que Gelb es un tipo que no hace exactamente lo que tiene ganas de hacer. El tipo vive aislado con su familia en el desierto y sólo hace excursiones urbanas efímeras para algún que otro concierto. Con Giant Sand viene grabando discos hace casi treinta años y se puede decir que ha hecho de todo. Algunos insisten en calificarlos como “country” pero poner dentro de esa bolsa a Giant Sand es de un reduccionismo que bordea el ridículo. Los tipos han hecho de todo, punk rock, paisley pop, rock duro y un listado de etiquetas que no vienen para nada al caso. En el medio hubo discos grandiosos, buenos, mediocres y también flojísimos, desganados, esos que los que nunca se juegan por nada gustan de llamar “discos de transición”.

Pero desde hace unos cuantos años ya parecen (hablar en plural con Giant Sand es más bien una formalidad) haber encontrado una senda a seguir que, con ligeros vaivenes, es las que les da un marco de trabajo amplio y a la vez acotado, en donde se mueven con total comodidad y en donde incluso se permiten llegar a ciertos límites de experimentación.

Este, del 2011, tiene unos leves toques jazzeros que le aportan variedad y color al asunto, batería con escobillas en muchas de las canciones, guitarras nerviosísimas, que parecen constantemente al borde de un estallido que nunca sucede, hay una atmósfera de tensión contenida que es más que evidente. "Monk's Mountain", uno de los grandes aciertos de Blurry Blue Mountain, es un homenaje claro a Thelonius Monk e incluso saluda a Goodbye Pork Pie Hat en la letra. Algo parecido pasa en "Spell Bound", con un solo de piano exquisito, de esos que Woody Allen pondría en sus películas anti-roqueras. Pero no teman, no se asusten, este es un disco de rock, de rock al estilo Giant Sand, un estilo propio, firme, idiosincrático, te puede gustar o no, pero no se puede negar que los tipos tienen claro a donde van a parar con sus discos. Vuelve la tensión en "Ride the Rail" que es un homenaje/parodia (con Giant Sand nunca se sabe) al Johnny Cash super drogado y flaco de la última mitad de los sesenta, grabando discos conceptuales que ni él tenía idea de que es lo que quería. Pero cuidado que también hay guitarras filosas en Blurry… y aparecen por primera vez de la mano de… un auto-cover! En este caso de "Thin Line Man", del segundo disco, en otra muestra de la siempre perversa elección a la hora de elegir canciones para versionar.

En muchos casos y ante una discografía tan extensa no suele ser aconsejable empezar por el último disco de estudio para meterse en el mundo de un grupo. Pero tranquilamente Giant Sand puede ser una excepción a la regla. ¿Por qué no?




 

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Entrevista: Eric Lichter

Eric Lichter forma parte de la escena neo-psicodélica de Seattle desde hace casi tres décadas. Formó parte de The Life, con quienes grabó Alone. Con los Green Pajamas toca hace rato ya y ha participado en más de diez discos, componiendo muchas canciones a la par de Jeff Kelly y Joe Ross y aportando sus habilidades como multi-instrumentista. También tiene una carrera parelela como solista y está por ir a grabar a Paris con Ken Stringfellow (ex-The Posies).

¿Te acordás cual fue el primer disco que compraste?
El primer disco que me compré fue The Isley Brothers Live. Yo tenía once años y enloquecía con la electricidad que transmitía y la excitación típica de los discos en vivo.

¿Cómo fue que siguió creciendo tu colección?
Después empecé a comprarme discos con lo que iba juntando del vuelto de ir a comprar el diario. Compré un montón de Led Zeppelin pero lo que en realidad me interesaba en esa época eran discos de fusión con bateristas como Jack Dejonnette, Bill Brufford, Billy Cobham, etc.

¿Alguna vez tuviste una fijación obsesiva con alguna banda o solista?
Tuve una fijación bien obsesiva con Tori Amos en una época. Adoraba aquel primer disco. Lo escuchaba todos los días, la misma canción... una y otra vez! Yo tenía una especie de resonancia personal con su voz y muchas veces he llegado a las lágrimas escuchándola cantar.

¿Qué discos recomendarías de “compañeros de escena”?
De acuerdo... de compañeros de escena me gusta mucho el disco nuevo de Empire of Sleep. También el último trabajo de los Posies es grandioso. También me gusta mucho el que acaban de sacar los New Goblins.

¿CD, vinilo o MP3?
La verdad es que no soy exigente con ese tema. Me gusta escuchar una canción en cualquier manera en que esté disponible. Me encanta la nostalgia que genera el vinilo y su calidez pero supongo que por una cuestión de comodidad me quedo con los MP3s hoy en día.

Esta no puede faltar: ¿Qué cinco discos te llevarías a una isla desierta?
Dejame pensar... The Song Remains the Same de Led Zeppelin, Dark Side of the Moon de Pink Floyd, Regatta de Blanc de The Police, Little Earthquakes de Tori Amos y por último The Joshua Tree de U2.

Sam Gopal - Escalator

Lemmy es un prócer. Eso está prácticamente fuera de discusión. El tipo estuvo ahí casi desde los inicios de todo este asunto. La fama le llegó recién con Motörhead, a casi diez años de haber empezado su carrera como músico y de sus primeras grabaciones con los Rockin’ Vickars, a mediados de la década del sesenta. Hay algo mágico en torno a todo lo que genera; hace que muchas personas que no escuchan habitualmente música pesada consideren a Motörhead un grupo de rock, cuando todos sabemos que es un grupo recontra metalero (al menos desde Orgasmatron en adelante). También logra borrar la frontera llena de prejuicios entre el punk y el heavy y es admirado, querido y hasta reverenciado por miembros de las dos sectas/tribus. Era amigote de los Damned y a la vez tenía buena relación con los decadentes melenudos de Los Angeles. Borra fronteras, así de simple. Fronteras que en realidad no existen, pero esa es otra discusión. Está más allá del bien y del mal, eso seguro.

¿Y esto? ¿Sam Gopal? Bueno, hay un video en Youtube (el milagro posmoderno) que es imprescindible para quienes conozcan el disco y también para quienes no lo hayan escuchado todavía pero tengan interés. Se ve una especie de barcaza asiática en medio del Támesis, a pasitos nomás del puente de Waterloo. Acercamiento al navío y ahí está la banda tocando. Primero lo muestran al tal Sam Gopal, malayo de nacimiento, con sus tamborcitos en un clarísimo y para nada disimulado playback. Después van apareciendo el resto de los miembros de la banda, sucios, desprolijos y con altísimas probabilidades de sustancias tóxicas en el torrente sanguíneo. Lemmy canta y toca la guitarra y se va moviendo en el reducido espacio que tiene. ¿La canción? "Sky Is Burning", uno de los temas de Escalator, el primer y único disco de la banda con esta formación y hoy en día Santo Grial de coleccionistas a lo largo y ancho de este mundo.

¿Cómo suenan? Raro, muy raro. Por empezar el disco está mezclado de una forma extrañísima y grabado de manera totalmente precaria, dos puntos que no hacen más que sumarle atractivo y originalidad a esta joya perdida (y encontrada, claro). Concretamente desde lo musical, la cosa es una especie de folk inglés alucinado, drogón, oscuro por momentos y con un interesante uso de arreglos y florituras orientales bien a la orden del día, sobre todo de la guitarra líder y en menor medida en el bajo. Según dice la mitología (creer o reventar, como siempre), Escalator fue grabado en una sola noche en una suerte de bacanal de anfetas, LSD y vaya uno a saber que otros condimentos. Pero bueno, la música, de algún modo, valida esta teoría. Se trata de gente bien "puesta" hablando de misticismo, noches largas y la cara oculta del flower power, que para esta altura ya era historia. Algo así como la banda sonora “no oficial” de la resaca de una larga fiesta.

Según Lemmy, que le resta cualquier tipo de importancia a este trabajo, en su autobiografía declara haber escrito él solo todas y cada una de las canciones de Escalator, letras incluídas. Después vendría su paso por Hawkwind con posterior expulsión en los peores términos y el resto, bueno, es historia conocida.






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